Objeto emblemático
1969
ARTE ERUDITA

Materiais: Madeira, pintura e esmalte
Dimensões: 94x79cm

Salvador Ba 1922 – São Paulo SP 1991 – Escultor, pintor e gravador. Nasceu em 1922 em Salvador, numa família de poucos recursos e foi o primeiro de 6 filhos. Crescer tendo contato íntimo com a religiosidade sincrética afro-brasileira: sua família era católica, e Rubem Valentim fez primeira cumunhão, e também frequentava terreiros de candomblé. Com o pai, participava de cerimônias em diversos terreiros de candomblé, tanto da tradição nagô-jeje quanto candomblés de caboclo: o de Tia Maci, no Engenho Velho, o de Mãe Menininha, no Gantois, o de Júlio Branco, no Bate-Folha, e o da Sabina. O artista relatou seu duplo deslumbramento e seu envolvimento estético tanto com o rito afro-brasileiro quanto com a imaginária católica das igrejas, das quais ele se lembrava especialmente dos santos barrocos. Entre 1946 e 1947 participava do movimento de renovação das artes plásticas na Bahia, com Mario Cravo Júnior (1923), Carlos Bastos (1925) e outros artistas. Em 1953 forma-se em jornalismo pela Universidade da Bahia e publica artigos sobre arte. Reside no Rio de Janeiro entre 1957 e 1963, onde se torna professor assistente de Carlos Cavalcanti no curso de história da arte, no instituto de Belas Artes, Reside em Roma entre 1963 e 1966, com prêmio viagem ao exterior, obtido no Salão Nacional de Arte Moderna – SNAM. Em 1966 participa do Festival Mundial de Artes Negras em Dacar, Senegal. Ao retornar ao Brasil, reside em Brasilia e leciona pintura no Ateliê Livre do Instituto de Artes da Universidade de Brasília – UnB. Em 1972, faz um mural de mármore para o edifício-sede da Novacap em Brasília, considerado sua primeira obra pública. O crítico de arte Frederico Morais elabora em 1974 o audiovisual A Arte de Rubem Valentim. Em 1979,Valentim realiza escultura de concreto aparente, instalada na Praça da Sé, em São Paulo, definindo-a como o Marco Sincrético da Cultura Afro-Brasileira e, no mesmo ano e é designado, por uma comissão de críticos, para executar cinco medalhões de ouro, prata e bronze, para os quais recria símbolos afro-brasileiros para a Casa da Moeda do Brasil. Em 1998 o Museu de Arte da Moderna da Bahia – MAM/BA inaugura a Sala Especial Rubem Valentim no Parque de Esculturas.

Quarup
2011
Arte Contemporânea

Materiais: PVC, areia colorida, chumbo, búzios, cristal, osso, vidro e sementes.
Dimensões: 151x31x32,5 cm

Pintor e escultor. Atuou como integrante do Batalhão Suez no Egito em 1962, visitando também países europeus. No ano de 1964, fixou residência em Milão, onde trabalhou com Pomodoro, Fontana e Baj e realizou, em 1965, sua primeira exposição individual. De volta ao Brasil em 1974, estabeleceu-se em Cabo Frio/RJ. A partir de 1965, participou de mostras coletivas (na Itália, na Inglaterra e na Lugoslávia) e realizou exposições individuais na Itália, Austrália, Bélgica e em diversas cidades brasieleiras. A principio, influenciado por artistas europeus e norte-americanos, praticou um estilo construtivista, com jogos ópticos e referências à visualidade urbana e usando materiais como madeira esmaltada, aço inoxidável e acrílico. A partir da década de 1970, estabeleceu um diálogo com a estética indígena brasileira (sendo o próprio artista de ascendência indígena), passando a empregar materiais como palha, peles, plumagens, miçangas e bambus. Roberto Pontual afirmou que “o refinamento, a elegância e o asseio tecnólogico de antes se fundiram, agora, a um contraponto ritualístico […], Passado e presente, arcaísmo e civilização, tribo e cidade ali novamente se reagrupam.” Para Jaime Maurício, “consciente de que o índio brasileiro utilizou em sua atividade artística recursos e inspiração comuns à arte de outros povos – funcionalidade, simetria, ritmo, respeito às peculiaridades dos materiais usados – Ramosa sabe que pode mostrar-se indianista sem rejeitar o que há de mais sofisticado em sua experiência européia[…] Sem lançar manifesto antropofágico. Edival Ramosa faz um campeão do arsenal ritmico, mágico, cromático e místico da cultura afro-indianista de sua terra e de seu sangue, apresentando-o numa aura que confere a este arsenal plena criculação universal”.

Série Cartas
2010
Arte Contemporânea

Materiais: Oleo, tela, marco.
Dimensões: 100x80cm

Pelotas RS 1946 – Pintora, desenhista, gravadora, ilustradora, figurinista, cenógrafa. Reside em Porto Alegre desde 1950. Na década de 1960, cursa artes plásticas (1963/1967) e pós graduação em pintura (1967/1968) na Escola de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS. Realiza sua primeira exposição individual em 1966, na Galeria Espaço. Em 1974, faz o curso de aperfeiçoamento em litografia, no Ateliê Livre da Prefeitura Municipal de Porto Alegre. Participou de inúmeras mostras individuais e coletivas. Segundo Márcio Martinez, Maria Lídia é uma artista “Avessa e comercialismo, em sua obra priviligiada a figura humana: a luta e o dilaceramento da mulher, o homem e as privações da vida social, entre outros temas, são expressos de maneira pungente e radical. Realizou ilustrações para livros e jornais, cenários e figurinos para teatro.” EXPRESSIONISMO no Brasil: heranças e afinidades. São Paulo: Fundação Bienal de São Paulo, 1985.

2006
Arte Contemporânea

Materiais: Acrílica sobre a tela
Dimensões: 120,5x150x3cm

Bola Júpiter
2007
Arte contemporânea

Materiais: Fibra de vidro, areia, chumbo e pedra
Dimensões: 132cm de diâmetro

Restinga
1966
Arte Contemporânea

Materiais: Óleo, tela.
Dimensões: 92 x 60cm

Pintor autoditada. Em razão de ser filho de uma tecelã chamada Dometila, ficou assim conhecido como José de Dome. Residiu em Salvador, onde conheceu Mario Cravo, Mirabeau e Carybé, que o incentivaram a desenvolver seu talento artístico. Sua primeira exposição, realizada em 1955, ocorreu no Belvedere da Sé, onde voltou a expor em 1956 e 1958. Transferiu-se para o Rio de Janeiro, em 1962, integrou-se aos meios artísticos cariocas. Tornou-se conhecido após uma exposição realizada na Galeria Goeldi, em 1964. Radicou-se em Cabo Frio, ambiente ideal para suas pinturas, e só ausentava-se da velha cidade colonial por ocasião de suas várias exposições, inclusive em Lima (1966), e em Londres (1971). Pintou a paisagem urbana de Salvador, crianças, prostitutas, peixes e corujas, flores, paisagens e marinhas.

Série Cartas
2010
Arte Contemporânea

Materiais: Óleo, tela, marco.
Dimensões: 100x80cm

Pelotas
RS 1946 – Pintora, desenhista, gravadora, ilustradora, figurinista, cenógrafa. Reside em Porto Alegre desde 1950. Na década de 1960, cursa artes plásticas (1963/1967) e pós graduação em pintura (1967/1968) na Escola de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS. Realiza sua primeira exposição individual em 1966, na Galeria Espaço. Em 1974, faz o curso de aperfeiçoamento em litografia, no Ateliê Livre da Prefeitura Municipal de Porto Alegre. Participou de inúmeras mostras individuais e coletivas. Segundo Márcio Martinez, Maria Lídia é uma artista “Avessa e comercialismo, em sua obra priviligiada a figura humana: a luta e o dilaceramento da mulher, o homem e as privações da vida social, entre outros temas, são expressos de maneira pungente e radical. Realizou ilustrações para livros e jornais, cenários e figurinos para teatro.” EXPRESSIONISMO no Brasil: heranças e afinidades. São Paulo: Fundação Bienal de São Paulo, 1985.

Pic-nic no parque
1994
Arte Contemporânea

Materiais: Óleo, tela.
Dimensões: 131x165cm

Aluna da Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (UFBa), onde em 1956 recebeu o prêmio Menção Honrosa no Salão Baiano de Artes Plásticas. Em 1972, ingressou no corpo docente da Escola de Belas Artes da UFBa, onde lecionou Desenho e Gravuras. Em 1977, partiu para os Estados Unidos, tornou mestre pela lllinois State University. Expôs em várias exposições individuais e coletivas, tais como A mão afrobrasileira (Museu de Arte Contemporânea, 1988), Primeira Bienal Nacional da Bahia (1966), Celebração da Cultura Latino-Americana no Museu de Ciência de Buffalo (EUA, 1990), Retrospectiva na Art Gallery of Califórnia State University, Northridge, Califórnia (EUA,1991), Centro Cultural da Caixa Econômica Federal de Salvador (2000). Destacou-se através da pintura e gravura, mas dedicou-se a outras técnicas como colagem, litografia e desneho. Sua temática primorosa passa pelas paisagens marinhas, sereias, naturezas mortas, influência de sua terra e da ancestralidade africana.

Yemanjá
1975
Arte Contemporânea

Materiais: Óleo, eucatex e colagem.
Dimensões: 100x123cm

Aluna da Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (UFBa), onde em 1956 recebeu o prêmio Menção Honrosa no Salão Baiano de Artes Plásticas. Em 1972, ingressou no corpo docente da Escola de Belas Artes da UFBa, onde lecionou Desenho e Gravuras. Em 1977, partiu para os Estados Unidos, tornou mestre pela lllinois State University. Expôs em várias exposições individuais e coletivas, tais como A mão afrobrasileira (Museu de Arte Contemporânea, 1988), Primeira Bienal Nacional da Bahia (1966), Celebração da Cultura Latino-Americana no Museu de Ciência de Buffalo (EUA, 1990), Retrospectiva na Art Gallery of Califórnia State University, Northridge, Califórnia (EUA,1991), Centro Cultural da Caixa Econômica Federal de Salvador (2000). Destacou-se através da pintura e gravura, mas dedicou-se a outras técnicas como colagem, litografia e desneho. Sua temática primorosa passa pelas paisagens marinhas, sereias, naturezas mortas, influência de sua terra e da ancestralidade africana.

Laranja Capacete I
2009
Arte Contemporânea

Materiais: Acrílico, tela.
Dimensões: 180x180cm

Nascido em João Pessoa, Paraíba, integrou, em 1974, o grupo jaguaribe Carne de Estudos. Entre 1985 e 1987, frequentou o ateliê do núcleo de Arte Contemporânea de João Pessoa. Paredes é um desses pintores que tem prazer em pintar, suas largas pinceladas, sua escala de cor, tem uma harmonia dos grandes contrastes, criando uma abstração turbulenta, expressiva, expressionista. Ás vezes esses seus grandes formatos sugerem figuras, objetos, animais, contudo é só uma ilusão de ótica. O que há mesmo é pintura, pura pintura revolta em ação e movimento.

Rua das Flores
1981
Arte Contemporânea

Materiais: Oleo, tela.
Dimensões: 93x74cm

Pintor autodidata. Em razão de ser filho de uma tecelã chamada Dometila, ficou assim conhecido como José de Dome. Residiu em Salvador, onde conheceu Mario Cravo, Mirabeau e Carybé, que o incentivaram a desenvolver seu talento artístico. Sua primeira exposição, realizada em 1955, ocorreu no Belvedere da Sé, onde voltou a expor em 1956 e 1958. Transferiu-se para o Rio de Janeiro, em 1962, integrou-se aos meios artísticos cariocas. Tornou-se conhecido após uma exposição realizada na Galeria Goeldi, em 1964. Radicou-se em Cabo Frio, ambiente ideal para suas pinturas, e só ausentava-se da velha cidade colonial por ocasião de suas várias exposições, inclusive em Lima (1966), e em Londres (1971). Pintou a paisagem urbana de Salvador, crianças, prostitutas, peixes e corujas, flores, paisagens e marinhas.

Lume 1
2010
Arte Contemporânea

Materiais: Madeira de reuso, acrílico.
Dimensões: 55x10x8cm

Paulistano, um criador de assemblagens, sua visão de mundo passa por uma reflexão misteriosa, ou por um universo misterioso onde suas construções deixam escapar um universo de coisas que se articulam numa expressão surrealista, de aprisionar em pequenas caixas um mundo de sensações subterrâneas curiosas, de quem constrói nesse micro laboratório de pesquisas, uma outra humanidade.

Lume 2
2010
Arte Contemporânea

Materiais: Madeira de reuso, acrílico.
Dimensões: 55x10x8cm

Paulistano, um criador de assemblagens, sua visão de mundo passa por uma reflexão misteriosa, ou por um universo misterioso onde suas construções deixam escapar um universo de coisas que se articulam numa expressão surrealista, de aprisionar em pequenas caixas um mundo de sensações subterrâneas curiosas, de quem constrói nesse micro laboratório de pesquisas, uma outra humanidade.

Armadilha
2010
Arte Contemporânea

Materiais: Madeira de reuso, acrílico e metal.
Dimensões: 50x15x8cm

Paulistano, um criador de assemblagens, sua visão de mundo passa por uma reflexão misteriosa, ou por um universo misterioso onde suas construções deixam escapar um universo de coisas que se articulam numa expressão surrealista, de aprisionar em pequenas caixas um mundo de sensações subterrâneas curiosas, de quem constrói nesse micro laboratório de pesquisas, uma outra humanidade.

Paisagem com figuras
Arte do Século XIX

Materiais: Óleo sobre tela.
Dimensões: 33x42cm

Paisagem
Arte do Século XIX

Materiais: Óleo, tela, marco.
Dimensões: 49x39cm

Pintor, decorador e cenógrafo. Nascido de família pobre e numerosa, era irmão mais novo de João Timótheo da Costa; como ele, iniciou seus estudos na Casa da Moeda, como aprendiz de desenho de moedas e selos. Paralelamente, trabalhou por cinco anos com o cenógrafo italiano Oreste Coliva, adquirindo uma certa dramaticidade que viria a influencer sua obra. Em 1894, ingressou, juntamente com seu irmão, na Escola Nacional de Belas Artes, onde foi aluno de Daniel Bérard, Zeferino da Costa, Rodolfo Amoedo e Henrique Bernadelli. No salão Nacional de Belas Artes de 1906, recebeu uma menção honrosa de primeiro grau e, no ano seguinte, após a desistência de Eduardo Bevilacqua, conquistou o prêmio de viagem à Europa. Instalou-se em 1908 em Paris e expôs no Salon, mas também percorreu a Espanha e a Itália antes de retornar ao Brasil em 1910. Voltou novamente à Europa em seguida, cotratado pelo governo brasileiro para colaborar, junto com seu irmão e com Carlos e Rodolfo Chambellant, com os trabalhos decorativos do pavilhão brasileiro na Exposição Internacional de Turim de 1911. Obteve no Salão Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro, a pequena medalha de prata em reduzida nos últimos anos de vida e faleceu no Hospício dos Alienados do Rio de Janeiro. Dedicou-se especialmente à pintura de figuras e paisagens, destacando-se nos nus femininos e retratos. Atribui-se a ele uma tendência pré-modernista nas obras da maturidade, que se aproxima para José Teixeira Leite, “do Expressionismo ao fazer uso de um colorido dramático, de um desenho quase taquigráfico e de uma caligrafia pictórica nervosa e encrespada”, gerando reações de repúdio de comentadores contemporâneos, que lhe atribuíram falas de desenho e volumetria. Contudo, segundo o crítico, Arthur Timótheo “nunca pautou sua arte pela cega obediência aos cânones acadêmicos, pouco lhe importando a fidelidade ao modelo ou a plasticidade de suas figuras. Toda a sua preocupação ia, muito ao contrário, para a cor e para a textura, e através dela, para a expressão.”

Paisagem
Arte do Século XIX

Materiais: Óleo, madeira, marco.
Dimensões: 60,5cx54cm

Pintor, decorador e cenógrafo. Nascido de família pobre e numerosa, era irmão mais novo de João Timótheo da Costa; como ele, iniciou seus estudos na Casa da Moeda, como aprendiz de desenho de moedas e selos. Paralelamente, trabalhou por cinco anos com o cenógrafo italiano Oreste Coliva, adquirindo uma certa dramaticidade que viria a influencer sua obra. Em 1894, ingressou, juntamente com seu irmão, na Escola Nacional de Belas Artes, onde foi aluno de Daniel Bérard, Zeferino da Costa, Rodolfo Amoedo e Henrique Bernadelli. No salão Nacional de Belas Artes de 1906, recebeu uma menção honrosa de primeiro grau e, no ano seguinte, após a desistência de Eduardo Bevilacqua, conquistou o prêmio de viagem à Europa. Instalou-se em 1908 em Paris e expôs no Salon, mas também percorreu a Espanha e a Itália antes de retornar ao Brasil em 1910. Voltou novamente à Europa em seguida, cotratado pelo governo brasileiro para colaborar, junto com seu irmão e com Carlos e Rodolfo Chambellant, com os trabalhos decorativos do pavilhão brasileiro na Exposição Internacional de Turim de 1911. Obteve no Salão Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro, a pequena medalha de prata em reduzida nos últimos anos de vida e faleceu no Hospício dos Alienados do Rio de Janeiro. Dedicou-se especialmente à pintura de figuras e paisagens, destacando-se nos nus femininos e retratos. Atribui-se a ele uma tendência pré-modernista nas obras da maturidade, que se aproxima para José Teixeira Leite, “do Expressionismo ao fazer uso de um colorido dramático, de um desenho quase taquigráfico e de uma caligrafia pictórica nervosa e encrespada”, gerando reações de repúdio de comentadores contemporâneos, que lhe atribuíram falas de desenho e volumetria. Contudo, segundo o crítico, Arthur Timótheo “nunca pautou sua arte pela cega obediência aos cânones acadêmicos, pouco lhe importando a fidelidade ao modelo ou a plasticidade de suas figuras. Toda a sua preocupação ia, muito ao contrário, para a cor e para a textura, e através dela, para a expressão.”

Vaso com Flores
Arte do Século XIX

Materiais: N/A
Dimensões: N/A

Natureza Morta
1888
Arte do Século XIX

Materiais: Óleo, tela, marco.
Dimensões: 48x59cm

Rio de Janeiro/RJ 1845-1891 – Pintor. Filho de escravos africanos, Estevão Silva Ingressou na Acdemia Imperial de Belas Artes do Rio de Janeiro em 1864. Foi aluno de Geroge Grimm, Vítor Meireles, jules Le Chevrel e Agostinho José da Mota, de quem recebeu forte influência na pintura de naturezas-mortas. Lecionou no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro. Manteve relações com o Grupo Grimm, cuja proposta era a observação direta da natureza, subistituindo a apreciação entre quatro paredes, porém não rompeu com a Academia. Na exposição Geral de Belas Artes, conquistou a medalha de prata nos anos de 1976 e 1879, a medalha de ouro de segunda classe em 1884 e o prêmio aquisição no ano de 1890. Quando, contrariando todas as expectatias, não recebeu o primeiro prêmio na Exposição Geral de Belas Artes de 1879, protestou durante a seção solene diante do próprio imperador, o que lhe rendeu a suspensão dos estudos por um ano. Sob muitos aspectos, Estevão Silva é considerado um dos maiores pintores brasileiros de natureza-morta, destacando-se especialmente no tema das frutas tropicais, embora também tenha praticado o retratismo e a pintura histórica, religiosa e alegórica, sem, contudo alcançar nesses gêneros a mesma notoriedade. José Teixeira Leite avalia que o artista “soube capta, numas poucas laranjas ou limões, numa melancia, numa simples penca de bananas, toda a sua rústica poesia.” Segundo Duque Estrada, “é difícil e até parece impossível pintar frutos melor do que os tem pintado Estevão”. Para o crítico, “o colorido quente, intenso, gritalhão de seus frutos, reunido à escuridão das sombras, dá aos quadros, mesmo aos menores, um aspecto de rudeza que domina e destrói a macieza aveludada, a delicadeza voluptuosa com que tratava alguns espécimes da natureza frutífera dos trópicos.”

Santo Elesbão
Arte Sacra

Materiais: Escultura/ Madeira policromada e Douração.
Dimensões: 48x20x16cm

Nossa Senhora do Rosário
Arte Sacra

Materiais: Cerâmica policromada e metais
Dimensões: 85x53x42

Santa Ifigênia
Arte Sacra

Materiais: Escultura/ Madeira policromada e Douração.
Dimensões: 57x19x14cm

Oxóssi
Arte Popular

Material: Madeira
Dimensões: 60,5×23,3×6,5cm

1950
Arte Popular

Materiais: Óleo, tela.
Dimensões: 69,5×79,5x4cm

Rio de Janeiro/RJ – 1898-1966 – Iniciou-se suas atividades como pintor autoditada a partir de 1937. Trabalhou como restaurador na Diretoria do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional no Rio de Janeiro. Em 1943, fez parte da mostra em homenagem à Real Força Aérea Britânica em Londres (Inglaterra). Em 1951, ganhou o Prêmio Aquisição na I Bienal de Artes de São Paulo, com a obra A Moenda – atualmente integrada ao acervo do Museu de arte Contemporânea da USP (São Paulo) – e expôs suas obras em uma Sala Especial na II Bienal (1953). Além de participar também das Bienais de 1961 (IV edição) e a de 1979 (XV edição). Realizou 6 exposições individuais, sendo que sua primeira foi realizada em 1959 e outras 7 póstumas (entre 1967-1984). Tanto no Brasil quanto no exterior Heitor dos Prazeres conquistou unanimidade em relação à qualidade de suas obras sendo chamado para cerca de 30 mostras coletivas. As temáticas preferidas de suas pinturas era a vida cotidiana e as festividades que envolviam a música popular. Alé de pintor, Heitor dos Prazeres também foi cenógrafo do Balé do IV Centenário, poeta, compositor e músico (tocava piano, violão e cavaquinho). Em parceria com o sambista Noel Rosa (1910-1937), compôs Pierrot Apaixonado, famosa marcha carnavalesca de 1935. Foi também um dos fundadores das primeiras escolas de samba carioca (Estação Primeira da Mangueira e “Vai como Pode”, hoje Portela, na década de 20), É pai do multi-instrumentista Heitorzinho, que seguiu a trilha do samba herdado de seu pai.

Ex-voto – Corpo inteiro
Arte Popular

Material: Madeira
Dimensões: 61x22x12cm

1963
Arte Popular

Materiais: Óleo, tela.
Dimensões: 69×79,5×3,5cm

Rio de Janeiro/RJ – 1898-1966 – Iniciou-se suas atividades como pintor autoditada a partir de 1937. Trabalhou como restaurador na Diretoria do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional no Rio de Janeiro. Em 1943, fez parte da mostra em homenagem à Real Força Aérea Britânica em Londres (Inglaterra). Em 1951, ganhou o Prêmio Aquisição na I Bienal de Artes de São Paulo, com a obra A Moenda – atualmente integrada ao acervo do Museu de arte Contemporânea da USP (São Paulo) – e expôs suas obras em uma Sala Especial na II Bienal (1953). Além de participar também das Bienais de 1961 (IV edição) e a de 1979 (XV edição). Realizou 6 exposições individuais, sendo que sua primeira foi realizada em 1959 e outras 7 póstumas (entre 1967-1984). Tanto no Brasil quanto no exterior Heitor dos Prazeres conquistou unanimidade em relação à qualidade de suas obras sendo chamado para cerca de 30 mostras coletivas. As temáticas preferidas de suas pinturas era a vida cotidiana e as festividades que envolviam a música popular. Alé de pintor, Heitor dos Prazeres também foi cenógrafo do Balé do IV Centenário, poeta, compositor e músico (tocava piano, violão e cavaquinho). Em parceria com o sambista Noel Rosa (1910-1937), compôs Pierrot Apaixonado, famosa marcha carnavalesca de 1935. Foi também um dos fundadores das primeiras escolas de samba carioca (Estação Primeira da Mangueira e “Vai como Pode”, hoje Portela, na década de 20), É pai do multi-instrumentista Heitorzinho, que seguiu a trilha do samba herdado de seu pai.

1964
Arte Popular

Materiais: Óleo, tela.
Dimensões: 71x82x5cm

Rio de Janeiro/RJ – 1898-1966 – Iniciou-se suas atividades como pintor autoditada a partir de 1937. Trabalhou como restaurador na Diretoria do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional no Rio de Janeiro. Em 1943, fez parte da mostra em homenagem à Real Força Aérea Britânica em Londres (Inglaterra). Em 1951, ganhou o Prêmio Aquisição na I Bienal de Artes de São Paulo, com a obra A Moenda – atualmente integrada ao acervo do Museu de arte Contemporânea da USP (São Paulo) – e expôs suas obras em uma Sala Especial na II Bienal (1953). Além de participar também das Bienais de 1961 (IV edição) e a de 1979 (XV edição). Realizou 6 exposições individuais, sendo que sua primeira foi realizada em 1959 e outras 7 póstumas (entre 1967-1984). Tanto no Brasil quanto no exterior Heitor dos Prazeres conquistou unanimidade em relação à qualidade de suas obras sendo chamado para cerca de 30 mostras coletivas. As temáticas preferidas de suas pinturas era a vida cotidiana e as festividades que envolviam a música popular. Alé de pintor, Heitor dos Prazeres também foi cenógrafo do Balé do IV Centenário, poeta, compositor e músico (tocava piano, violão e cavaquinho). Em parceria com o sambista Noel Rosa (1910-1937), compôs Pierrot Apaixonado, famosa marcha carnavalesca de 1935. Foi também um dos fundadores das primeiras escolas de samba carioca (Estação Primeira da Mangueira e “Vai como Pode”, hoje Portela, na década de 20), É pai do multi-instrumentista Heitorzinho, que seguiu a trilha do samba herdado de seu pai.

Arte Popular

Material: Madeira
Dimensões: 51.5×13,3×6,5cm

Escravo de Ganho
Escravidão

Materiais: Óleo, cartão.
Dimensões: 38x28cm

Escravo de Ganho
Escravidão

Materiais: Óleo, cartão.
Dimensões: 39×26,5cm

Corrente e gargalheiras
Escravidão

Material: Ferro
Dimensões: 202,5×14,5x3cm

Vira mundo
Escravidão

Material: Ferro
Dimensões: 14,5×55,5×8,7cm

Retrato Feminino
Arte Erudita

Materiais: Pintura aquarela e cartão.
Dimensões: 30×26,6cm

Rosto Feminino
Arte Erudita

Materiais: Pintura aquarela e cartão.
Dimensões: 19x13cm

Retrato Feminino
Arte Erudita

Materiais: Têmpera e cartão.
Dimensões: 19,5×14,7cm

Mulher com Criança no Colo

Materiais: Guache sobre cartão
Dimensões: 26,3×18,4cm